Qu’est-ce que le yoga?

De nos jours, les multiples photos et vidéos de beaux corps sculptés qui pratiquent des postures acrobatiques créent une certaine image du yoga. Vu de l’extérieur, on pourrait penser que cette activité est difficile et inaccessible, mais rien n’est plus faux. En effet, le yoga est une pratique qui s’adresse à tous et toutes, sans discrimination envers le genre, l’âge, l’ethnicité, la religion, etc.

En sanskrit, le mot yoga veut dire « union » ou « joindre ». En ce sens, le but du yoga n’est pas seulement l’exercice, mais la découverte du sentiment d’unité avec soi-même, avec le monde et la nature. C’est donc une façon de se tourner vers l’intérieur pour pouvoir y trouver le bien-être.

La dimension la plus connue du yoga est les Asanas ou Postures. Celles-ci nous permettent, entre autres, de travailler :

• La souplesse
• L’équilibre
• Le renforcement musculaire
• La concentration
• La relaxation

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D’un autre côté, le yoga est intimement lié à la respiration (il n’y a pas de yoga sans souffle!) Ainsi, dans une pratique de yoga, on inclura aussi des exercices de respiration, ou pranayama, qui apportent :

• Une meilleure vitalité
• Un meilleur sommeil
• Une diminution des niveaux de stress

Autant dire que le yoga est un remède à beaucoup de maux de notre siècle! Si vous ne l’avez pas encore essayé, c’est peut-être le moment de vous lancer!

Célébrons la Journée internationale du yoga

Cette année, en raison de la pandémie, la célébration de la Journée internationale du yoga se fera en format virtuel. Marrainée par Natasha St-Pier, chanteuse et yogi, elle sera destinée aux membres de la francophonie, tant au Québec qu’en France.

En plus d’offrir de nombreuses classes de maîtres, l’événement présentera une conférence autour du thème « Les bienfaits du yoga en temps de pandémie ». C’est donc une excellente façon de s’initier à cette pratique, pour ceux et celles qui le souhaitent.

Pour plus d’informations, voici le lien de l’événement : www.yogatribes.com

Où pratiquer le yoga cet été?

Dans la région de Montréal, la variété de salles de yoga et de types de pratique du yoga est immense. La plupart des studios offriront des programmes hybrides pour la période estivale; en partie en salle, en ligne et au parc. Voici 6 studios aux offres diversifiées.

1. Yoga Shak Montréal

2. Luna Yoga Montréal

3. Modo Yoga Montréal

4. Atma Yoga Montréal

5. Studio Yoga Club

6. Idolem St-Denis

Crédit photo principale : senivpetro, freepik.com

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Le 2 novembre prochain, vous aurez l’occasion d’assister à la Première du spectacle VANISHING MÉLODIES, œuvre créée dans le cadre du 50ème anniversaire de la compagnie Les Ballets Jazz de Montréal. Éric Jean, le metteur en scène et directeur de création du spectacle, a voulu y intégrer le plus de talents québécois possible. L’idée est donc venue d’utiliser l’univers mélodique et poétique de Patrick Watson, auteur-compositeur-interprète emblématique montréalais, comme point de départ pour la création de la danse.

1 œuvre, 2 chorégraphes

Pour élaborer VANISHING MÉLODIES, ce ne sont pas un, mais bien deux chorégraphes qui signeront les chorégraphies.

Anne Plamondon est une danseuse interprète québécoise bien ancrée dans le milieu de la danse contemporaine et qui a travaillé avec de grands noms tels que Marie Chouinard ou Ohad Naharin. Dès 2002, elle devient l’emblème du Groupe RUBBERBANDance en tant qu’interprète, puis codirectrice artistique de 2006 à 2015.

Puis, Juliano Nunes, d’origine brésilienne et établi en Allemagne, a chorégraphié pour le Royal Ballet de Londres, le Nederlands Dans Theatre 2 et pour plusieurs autres grandes compagnies de danse. Il a également fait partie de l’équipe de création d’une nouvelle série de Netflix, Tiny Pretty Things.

Les chorégraphes affirment unanimement qu’ils ont été énormément inspirés d’une part par la musique envoûtante et mystérieuse de Watson et d’autre part, par les danseurs extrêmement talentueux de BJM avec qui « tout est possible ». En plus de présenter de la rigueur et un souci du détail dans le corps, ces derniers sont ouverts, curieux et désireux de s’abandonner en entier au projet. Nunes et Plamondon ont donc été enchantés de travailler avec eux.

L’inspiration de Patrick Watson

Patrick Watson s’est rapidement imposé comme source d’inspiration pour la nouvelle création des BJM.

C’est une musique qui est très atmosphérique, d’ambiance, avec des envolées lyriques et une charge émotive assez forte. 

Éric Jean, metteur en scène et directeur de création

En effet, écouter sa musique équivaut souvent à partir en voyage entre le rêve et la réalité!

Les deux chorégraphes, pour leur part, affirment qu’en général, ce n’est pas toujours évident de chorégraphier sur des paroles. Les mots étant ce qu’ils sont, ils sont parfois trop directs et influencent excessivement le processus créatif en le limitant. Par contre, dans le cas de Patrick Watson, sa poésie est si belle, honnête, mystérieuse, troublante et imagée qu’elle permet une création qui l’est tout autant. Ainsi, chaque personne formant partie de l’équipe créative s’est dite emballée de travailler à partir d’un matériel si riche.

Si vous ne connaissez pas encore cet artiste talentueux, c’est le temps de jeter un coup d’œil à son œuvre!

Une œuvre hybride théâtre-danse

Le processus d’élaboration du spectacle, enclenché depuis novembre 2020, présente plusieurs éléments qui sortent de l’ordinaire. Outre le fait d’utiliser du répertoire de musique existant (versus utiliser de la musique habituellement originale), BJM présente une création hybride alliant le théâtre et la danse. 

En effet, fait étonnant : en plus des 14 danseurs qui partageront la scène, on retrouvera aussi une actrice, Brigitte Saint-Aubin, qui fera partie de la distribution. Même si la comédienne n’est pas danseuse, elle « rencontre les danseurs dans le corps » à travers ses gestes, sa façon de marcher et d’être assise. Celle-ci interagira donc de diverses façons avec les autres interprètes et apportera une dimension plus théâtrale à l’œuvre dansée.

Billets

Les représentations du spectacle VANISHING MÉLODIES auront lieu à la Place des Arts, les  2, 3, 4, 5 et 6 novembre 2021. Les billets sont en vente dès maintenant! Pour vous en procurer, c’est par ici : dansedanse.ca/fr

Photo principale : source Facebook Danse Danse Montréal

À LIRE AUSSI : La plus grande agence montréalaise de danseurs professionnels est lancée!

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La gigue traditionnelle québécoise, c’est quoi?

Au 18ème et surtout, au 19ème siècle, le Québec voit arriver plusieurs vagues d’immigration, en particulier de fortes population des îles britanniques. À ce moment, des échanges se font entre paysans francophones, musiciens et danseurs venus de ces contrées lointaines, qui arpentent les campagnes. Les uns enseignent aux autres et la gigue québécoise prend alors naissance; fruit d’un mélange d’influences culturelles surtout irlandaises, écossaises, anglaises et parfois, autochtones. Ainsi, cette danse folklorique garde une structure qui répond le plus souvent aux critères suivants :

• Danse percussive
• Concentrée sur le bas du corps, particulièrement le mouvement des pieds
• Le haut du corps reste droit
• Le talon, la semelle et la pointe du pied frappent le sol pour produire des sons
• Rythme soutenu
• Pratiquée traditionnellement en solo devant public lors d’une veillée de danse

La gigue fait aujourd’hui partie du patrimoine immatériel du Québec et beaucoup d’acteurs du milieu travaillent à la garder toujours aussi présente et vivante dans le paysage culturel de la province.

La mission de BIGICO

BIGICO est né d’une réflexion sur la façon de moderniser et de réinventer la gigue québécoise. Ainsi, c’est en 2005 que ce diffuseur et producteur, qui supporte le mouvement de gigue contemporaine, voit le jour.

Les artistes qui participent aux créations de BIGICO ont pour point commun le fait de travailler le même matériel : la gigue, cette langue de pieds. Toutefois, la forme traditionnelle de la danse n’est plus obligée d’être respectée à la lettre : les danseurs, à travers leurs créations, se permettent d’explorer de nouvelles qualités de mouvement, de faire bouger le haut du corps et d’expérimenter pour renouveler cet art!

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Une tournée virtuelle de gigue contemporaine ce printemps

BIGICO a mis en place la Soirée de gigue contemporaine dans le but explicite de faire découvrir une nouvelle approche en gigue québécoise au plus grand public possible.

Cette année, comme pour beaucoup d’autres événements, cette soirée sera tenue de façon virtuelle et il sera possible d’y accéder gratuitement. C’est donc une façon idéale de s’initier à une part importante de notre culture et de voir de quelle façon celle-ci peut être modernisée.

L’événement est composé de 4 courtes pièces, des univers chorégraphiques tout à fait originaux et différents qui présentent les différentes visions des chorégraphes sur la gigue aujourd’hui.

1. Espace de Lük Fleury, interprétée par Olivier Arsenault et Antoine Turmine, met en scène un vaisseau spatial dans un univers futuriste où le son, intriguant, inspire des mouvements qui le sont tout autant.
2. Une gigue sur le coeur, chorégraphiée et interprétée par Sandrine Martel-Laferrière, joue sur la fusion entre le rythme du cœur et le rythme de la danse.
3. S’accorder, chorégraphiée par  Jonathan C. Rousseau et interprétée par  Jonathan C. Rousseau et Thierry Clouette, s’articule autour de la communication entre le musicien et le danseur, la communion entre les deux.
4.  L&L, chorégraphiée et interprétée par Vincent-Nicolas Provencher et Mélissandre Tremblay-Bourassa, présente le thème de la relation de couple et des émotions qui s’y manifestent.

Alors, si vous êtes curieux de découvrir cette danse aux origines séculaires et à l’approche actuelle, venez vite réserver vos billets virtuels par ici : www.latrame-resonances.com/spectacles

Crédit photo principale : Valérie Sangin – Avec Thierry Clouette et Jonathan C. Rousseau
#invitationmedia

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Ola Volo

Ola Volo est une muraliste et illustratrice canadienne originaire du Kazakhstan. Ses œuvres, aux mille et un détails et symboles, nous emportent dans un univers riche et enivrant.

Son parcours

Immigrée, alors qu’elle est enfant à Vancouver, ses parents encouragent son développement en art. Elle affirme qu’elle a toujours été une artiste. Ola sent la barrière du langage et utilise l’art comme « coping mechanism« . Formée en Europe, elle commence à s’ouvrir à différents médiums et formes d’art. Des études en design et en illustration lui permettent de communiquer une idée clairement à travers le visuel.

Puis, il y a environ 7-8 ans, Ola commence le muralisme. Cette forme d’art lui apporte à la fois de nouveaux défis et de nouvelles opportunités. Elle est emballée par l’idée d’offrir de l’art public gratuit à n’importe quel passant, mais aussi effrayée par la responsabilité que cela implique. L’œuvre est immense, elle change l’espace et elle demande une prise de risque assez importante. Par exemple, dans le Mile-End, à Aire Commune, Ola a réalisé la murale Walla Volo, produite et financée par le Collectif artistique Le Cartel, qui est considérée comme la deuxième plus grande réalisée par une femme au Canada.

Faire de la murale, ça nous oblige à grandir en tant que personne pour pouvoir accomplir le travail jusqu’au bout.

Ola Volo

Une intention artistique proche des gens

Ola Volo le dit sans équivoque, elle pense énormément aux gens qui habitent l’espace qu’une murale occupera. Elle aime s’imprégner de l’ambiance d’un quartier, parler avec les gens qui y vivent et écouter leurs histoires. Elle traduit le tout par un visuel complexe et symbolique qui nous immerge dans des récits qui reflètent la nature humaine et son quotidien.

Source : site Web Ola Volo

La « drive » que j’ai n’est pas seulement à propos de l’art. C’est à propos des gens, du voyage, à propos d’être entendue et d’entendre leurs histoires pour les intégrer dans mes murales.

Ola Volo

Par exemple, la murale Walla Volo au Mile-End intègre divers éléments du quartier, tels que le chemin de fer et les cages d’oiseaux vides d’un fameux commerce. Plus récemment, Ola a créé une murale à Hochelaga-Maisonneuve, où la communauté s’est donné l’objectif de verdir le quartier. Son œuvre se veut donc annonciatrice du retour de Mère Nature et illumine ainsi le quotidien des habitants.

Son style riche et élaboré emprunte des éléments au folklore, au multiculturalisme et à la thématique de l’identité. Mélangeant la géométrie aux formes organiques, les humains aux animaux et l’architecture à la nature, son travail commence avec un petit stylo et d’innombrables motifs très détaillés. Elle essaie donc de répliquer les lignes naturelles de la main levée, même quand le format est 100x plus grand.

Si je fais une petite erreur [dans la murale], cela lui donnera tout de même du caractère. J’essaie de faire en sorte que l’œuvre paraisse d’origine humaine.

Ola Volo

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27 actions du quotidien qui nous manquent tous!

Laurence Vallières

Laurence Vallières est une artiste sculptrice reconnue internationalement. On remarque d’abord son style par des figures animales imposantes, d’un réalisme frappant, faites à partir de carton. En effet, ce matériel commun de la vie de tous les jours lui permet pourtant de créer des œuvres magistrales et de se faire connaître dans le monde entier!

Ses débuts avec le carton

À l’origine, Laurence a fait des études en céramique et elle manipulait alors surtout l’argile. Cependant, le jour où elle a voulu participer à la Nuit blanche à Montréal, elle s’est vue obligée de chercher des matériaux alternatifs pour répondre aux dimensions plus imposantes que devait avoir l’œuvre. Après qu’une amie lui ait suggéré d’essayer le carton, Laurence a créé une sculpture de 9 pieds de hauteur avec ce matériau, tout en maintenant des finitions qui rappellent celles de l’argile. C’était le début d’une longue aventure avec le carton!

J’ai essayé de faire paraître le carton comme de l’argile. J’ai reproduit quelque chose de très organique.

Laurence Vallières

Une attirance naturelle pour les animaux

L’une des plus grande source d’inspiration pour Laurence est le monde animal. La forme, la posture, les expressions des animaux… elle y voit quelque chose d’intriguant qui mérite d’être mis à l’avant-plan. Ce qui fascine le plus cette artiste est l’intensité que ces bêtes peuvent procurer aux émotions.

Les émotions sont amplifiées par l’animal parce qu’on fait toujours de la projection sur eux de toute façon. Je trouve que lorsque je fais un gros singe qui a l’air calme, il semble plus calme qu’un humain dans une pareille situation. De la même façon, si je fais un singe en colère, c’est de la violence à l’état pur.

Laurence Vallières

Exposée aux quatre coins du globe

Le travail de Laurence est exposé dans toutes sortes d’endroits : des galeries d’art aux magasins, en passant par des festivals célèbres comme Burning Man, dans le désert du Nevada.

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Dalkhafine

Originaire de France, Delphine Dussoubs (alias Dalkhafine) est une artiste multidisciplinaire qui utilise plusieurs supports tels que la peinture, la sérigraphie, les murales, les vêtements, le VJing, l’illustration et le motion design pour créer. Son style est reconnaissable à ses couleurs éclatantes et aux contours épais et visibles délimitant des formes inspirées de la nature.

L’animation lui ouvre des portes

Alors que l’art fait partie de sa vie depuis son tout jeune âge, Dalkhafine a étudié en animation 2D et 3D, ce qui lui a donné l’opportunité de se créer un univers visuel bien à elle et de réussir à le mettre en mouvement. Malgré le fait que ces études la destinait à un certain métier et milieu précis, elle se dit contente d’avoir pu en sortir pour expérimenter avec les techniques apprises sur d’autres supports et médiums. Par exemple, elle a commencé à faire du VJing, où ses aptitudes en animation lui ont beaucoup servi, ainsi que de l’événementiel, où on lui a aussi demandé d’y faire recours. Toutefois, elle mentionne que c’est sa collaboration pour le spectacle de Pharrell Williams, à Coachella en 2014, qui a été déterminant pour sa carrière. Depuis ce moment, elle grandit en tant qu’artiste et touche à de multiples supports.

La musique : source d’inspiration

Le lien de Dalkhafine avec la musique a toujours été particulièrement fort. D’un côté, elle ne peut créer sans musique, car celle-ci lui offre la concentration dont elle a besoin et d’autre part, elle est parfois à l’origine même de sa création.

À chaque fois que je travaille avec de la musique, je me concentre pour voir ce que j’écoute. C’est comme si je traduisais les sons en images. 

Dalkhafine

Elle a donc fait des « lyrics vidéos« , où elle illustrait les paroles de Jain et a signé l’univers visuel de multiples spectacles, incluant ceux de Major Lazer et Bigflo & Oli. Une de ses convictions est que l’univers visuel et l’univers musical peuvent très bien s’entendre. Cette année, dans le cadre du Festival MURAL, elle a fait la murale complète qui recouvre le Mixbus! Ce dernier est en fait un autobus récupéré par un couple de Québécois qui a été converti en studio intérieur et scène extérieure (sur le toit). Cette scène sur roues a d’ailleurs fait la tournée du Québec cet été.

Ce sont des visuels qui vont traverser les villes et traverser le Québec, à la portée de tout le monde. C’est super de savoir qu’on travaille pour quelque chose qui est amené à promouvoir la musique. Ce sont des valeurs que j’aime bien et je trouve ça chouette de combiner les deux.

Dalkhafine

La pandémie : un inhibiteur de créativité

Pour une personne extravertie, telle que Dalkhafine, la pandémie a été un choc brutal qui lui a enlevé maintes sources d’inspiration. Travaillant surtout en événementiel, les annulations l’ont frappée de plein fouet. Malgré la difficulté pour trouver l’inspiration, Dalkhafine a finalement réussi à retrouver une partie de créativité et lance maintenant sa première exposition solo en Amérique du Nord à Station 16.

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Cyrielle Tremblay

Cyrielle Tremblay est une artiste du Québec qui nous transporte dans un univers poétique et onirique avec des œuvres envoûtantes. Se considérant d’abord comme artiste peintre, elle fait aussi de la photo, de la sérigraphie et a commencé à jouer avec l’art textile. Elle a une pratique muraliste assez importante et on peut donc tomber nez à nez avec une de ses œuvres au tournant d’un coin de rue à Montréal ou à Québec.

Son parcours

Cyrielle a fait des études en arts plastiques et en design graphique. De ces dernières, elle retient un intérêt marqué pour la composition et l’organisation des éléments sur différents plans. C’est au cours d’un échange étudiant au Mexique qu’elle est vraiment été introduite à la murale :  là-bas, cet art fait partie de la culture. Beaucoup de grands artistes du pays sont muralistes et les gens y sont habitués. Il est plus facile d’avoir accès à des murs. Elle commence donc à peindre sur ces derniers tout en continuant de faire de la murale au Québec et en Colombie.

Le feed-back instantané

Même si Cyrielle affirme aimer travailler en atelier (un processus plus lent qui lui permet de travailler en précision), elle apprécie les défis que constitue le travail dans la rue.

Ce qui est le fun avec la murale, c’est d’avoir un contact avec les gens qui passent, d’avoir un feed-back constant des gens autour de toi : le monde qui n’aime pas ça te le dit en plein visage, mais le monde qui aime te le dit aussi!

Cyrielle Tremblay

Cyrielle vient d’ailleurs tout juste de dévoiler une œuvre monumentale sur la rue Chabanel, à Montréal, dans laquelle elle rend hommage à cet ancien quartier industriel de la mode. Rendez-vous au 99 Chabanel pour l’admirer!

Des compositions improbables 

Ce qui frappe avec les œuvres de Cyrielle? Des compositions improbables, originales et envoûtantes, où l’absurdité se mélange à merveille à la poésie. Elle affirme aimer jouer avec les échelles et les éléments, en ajoutant parfois des clins d’œil loufoques (tels une canette de Pabst ou un sac IGA) à des éléments plus poétiques ou oniriques.

Mon but est de créer des atmosphères où les gens qui regardent l’œuvre se créent leur propre interprétation. 

Cyrielle Tremblay

Une marque du présent  

Cyrielle s’inspire des objets quotidiens qui l’entourent et qui représentent, en quelque sorte, une marque de l’époque dans laquelle on vit. Sans en faire un message politique, elle prétend plutôt faire de ses œuvres des symboles du moment présent. Elle prend ainsi des objets banals pour changer le regard avec lequel on les observe. 

J’aime l’idée de prendre des objets de tous les jours, qui ne sont pas faits pour être admirés, et de les placer dans un contexte où ils deviennent quelque chose que l’on observe pour une valeur poétique ou esthétique. 

Cyrielle Tremblay

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June Barry

June Barry ou BOYCOTT, est une artiste visuelle dont les œuvres se concentrent aujourd’hui autour de l’utilisation expérimentale de la lumière. Il y a de cela 6 ans, animée par le désir de modifier l’expérience des spectateurs, elle commence à faire des installations à l’intérieur du collectif musical Moonshine. Cette expérience est très formatrice puisqu’elle est l’unique personne en charge de l’art visuel. 

L’influence de la lumière

June affirme avoir été passionnée et influencée par la lumière depuis son enfance. Elle a commencé avec une pratique de la vidéo qu’elle a ensuite délaissé au profit d’un art plus manuel. Toutefois, elle voit toujours les liens avec sa pratique actuelle : son intérêt pour le cinéma et les jeux de lumière est maintenant reflété dans son expérimentation avec les miroirs, la vitre et les réflexions. 

C’est une lumière qui vient vers toi, une modification du réel. 

June Barry

Le self-reflection

D’autre part, June affirme que sa pratique a un aspect très conceptuel. S’inspirant des lieux où elle se trouve et des gens qu’elle rencontre, une majeure partie de son travail repose quand même sur le « self-reflection » et l’introspection. Ayant un passé difficile, le verre lui permet un travail intéressant.

Je prends un objet brisé et j’essaie de le reconstruire en quelque chose de plus beau. C’est une peu une réflexion de ce que j’essaie de faire de moi-même.

June Barry

Sources : Instagram BOYCOTT_This

LNDMRK : encore beaucoup de surprises!

Cette année, en raison de la pandémie, LNDMRK a dû repenser certains de ses événements rassembleurs. Par exemple, l’agence a créé MURAL Estival, festival hybride d’événements physiques et numériques où les artistes participaient à des spectacles musicaux diffusés sur Internet et où les murales servaient à rendre hommage à certains travailleurs de la pandémie. Elle a aussi lancé une application qui permet de visualiser les œuvres en réalité augmentée. En s’adaptant et en recrutant de nouveaux artistes talentueux, LNDMRK s’assure un avenir à succès et nous réserve certainement bien d’autres surprises!

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